Vérone - Léningrad © Aurélien Kirchner
Toulon – Palais Neptune, jeudi 5 novembre 2026, à 20 h
Pour son premier concert symphonique de la saison, l’Opéra de Toulon réunissait au Palais Neptune deux grandes figures de la musique russe du XXe siècle, Sergueï Prokofiev et Dmitri Chostakovitch. Sous la direction de Victorien Vanoosten, l’orchestre invitait le public à découvrir des œuvres où se côtoyaient passion, gravité et puissants élans orchestraux.
Prokofiev : de l’innocence au drame
Composé en 1935 d’après la tragédie de Shakespeare, le ballet Roméo et Juliette de Sergueï Prokofiev déploie une écriture où se mêlent énergie rythmique, lyrisme et tension dramatique.
La soirée s’ouvrait sur plusieurs extraits de cette partition. Avec Montaigu et Capulet, les rythmes imposants et les sonorités graves traduisaient la rivalité des deux familles. À cette solennité succédait la fraîcheur de Juliette enfant, dont les lignes légères et vives évoquaient l’insouciance de la jeunesse.
La Danse introduisait ensuite une nouvelle énergie, avant que Roméo auprès de Juliette avant la séparation ne laisse place à un lyrisme empreint de tendresse et d’inquiétude.
Avec Roméo sur la tombe de Juliette, la musique prenait une dimension profondément tragique, accompagnant le désespoir du jeune homme devant celle qu’il croit morte, jusqu’au dénouement fatal.
Xavier Phillips : un violoncelle seul face à l’émotion
Avec le Concerto pour violoncelle n° 1 en mi bémol majeur de Dmitri Chostakovitch, composé en 1959 pour Mstislav Rostropovitch, Xavier Phillips occupait le devant de la scène.
L’Allegretto initial affirmait d’emblée le caractère incisif du violoncelle, auquel le cor solo, seul cuivre de la partition, donnait régulièrement la réplique. Le Moderato ouvrait ensuite un espace plus lyrique, où le soliste déployait une sensibilité particulièrement touchante.
Mais c’est dans la longue Cadenza du troisième mouvement que l’émotion atteignait son apogée. L’orchestre s’était entièrement tu. Seul face au public, Xavier Phillips donnait à chaque note une profondeur particulière, dans un silence où le moindre son semblait prendre toute sa dimension. Les phrases jouées à l’archet alternaient avec les cordes pincées, selon la technique du pizzicato, dont les sonorités brèves ponctuaient les longues lignes mélodiques.
D’abord méditative, presque confidentielle, la musique gagnait progressivement en mouvement et en tension. Le jeu du soliste devenait plus ardent, jusqu’à cette impression saisissante d’une émotion qui se libérait peu à peu. Un moment suspendu, profondément émouvant, où la virtuosité ne cherchait pas seulement à impressionner, mais semblait donner une voix aux sentiments les plus intimes.
Dans un élan de plus en plus vif, le violoncelle préparait alors le retour de l’orchestre et l’entrée dans le finale, Allegro con moto, retrouvant toute l’énergie de cette partition exigeante.
La Cinquième Symphonie : entre recueillement et puissance orchestrale
Après l’entracte, la Symphonie n° 5 en ré mineur de Chostakovitch, composée en 1937 dans un contexte de fortes pressions politiques, révélait une autre dimension de son écriture, mêlant gravité, ironie et élans triomphants dont le sens demeure ambigu.
Dès le Moderato initial, les cordes installaient un climat de tension, bientôt traversé par les interventions des bois et des cuivres. Le deuxième mouvement, Allegretto, aux allures de danse parfois ironique, réservait des passages plus légers. Le violon solo se détachait de l’ensemble, tandis que les pizzicatos des cordes apportaient une couleur inattendue. Ce jeu, également observé chez la première violoniste au cours de la soirée, révélait une autre manière de faire chanter l’instrument.
Avec le Largo, le climat changeait profondément. Les cuivres se taisaient, laissant les cordes et les bois installer une atmosphère de recueillement. La finesse des interventions instrumentales, enrichie par les timbres de la harpe et du célesta, donnait à ce mouvement une dimension profondément intérieure.
Puis venait le finale, Allegro non troppo. Les cuivres et les percussions retrouvaient leur place dans une montée orchestrale impressionnante, jusqu’à une conclusion aussi éclatante que saisissante.
L’orchestre et son chef : une harmonie de nuances et de contrastes
L’important effectif orchestral réuni sur scène et la variété des couleurs instrumentales donnaient à cette soirée une dimension particulière. Des cordes aux bois, des cuivres aux percussions, sans oublier la harpe, le piano et le célesta, chaque famille d’instruments participait à la richesse de l’ensemble.
À la tête de l’Orchestre de l’Opéra de Toulon, Victorien Vanoosten accompagnait avec précision et expressivité les changements d’atmosphère, des passages les plus intimistes aux grandes envolées symphoniques. Sa direction soulignait les reliefs des partitions, tout en laissant s’exprimer les différents pupitres. L’engagement des musiciens, leur écoute mutuelle et la cohésion de l’ensemble contribuaient à la réussite de cette interprétation.
De la tragédie de Prokofiev aux accents tourmentés de Chostakovitch, cette soirée aura révélé toute la force expressive de l’Orchestre de l’Opéra de Toulon. Dans une salle comble, le public, plongé dans un silence attentif tout au long du concert, a laissé éclater son enthousiasme au terme de la représentation. Les applaudissements nourris et les rappels répétés ont témoigné de l’émotion suscitée par cette soirée, dont la cadence solitaire de Xavier Phillips restera l’un des instants les plus marquants.
Par Leïla Métina-Bouchour
Distribution
Orchestre de l’Opéra de Toulon
Direction musicale : Victorien Vanoosten
Violoncelle : Xavier Phillips
Pour son premier concert symphonique de la saison, l’Opéra de Toulon réunissait au Palais Neptune deux grandes figures de la musique russe du XXe siècle, Sergueï Prokofiev et Dmitri Chostakovitch. Sous la direction de Victorien Vanoosten, l’orchestre invitait le public à découvrir des œuvres où se côtoyaient passion, gravité et puissants élans orchestraux.
Prokofiev : de l’innocence au drame
Composé en 1935 d’après la tragédie de Shakespeare, le ballet Roméo et Juliette de Sergueï Prokofiev déploie une écriture où se mêlent énergie rythmique, lyrisme et tension dramatique.
La soirée s’ouvrait sur plusieurs extraits de cette partition. Avec Montaigu et Capulet, les rythmes imposants et les sonorités graves traduisaient la rivalité des deux familles. À cette solennité succédait la fraîcheur de Juliette enfant, dont les lignes légères et vives évoquaient l’insouciance de la jeunesse.
La Danse introduisait ensuite une nouvelle énergie, avant que Roméo auprès de Juliette avant la séparation ne laisse place à un lyrisme empreint de tendresse et d’inquiétude.
Avec Roméo sur la tombe de Juliette, la musique prenait une dimension profondément tragique, accompagnant le désespoir du jeune homme devant celle qu’il croit morte, jusqu’au dénouement fatal.
Xavier Phillips : un violoncelle seul face à l’émotion
Avec le Concerto pour violoncelle n° 1 en mi bémol majeur de Dmitri Chostakovitch, composé en 1959 pour Mstislav Rostropovitch, Xavier Phillips occupait le devant de la scène.
L’Allegretto initial affirmait d’emblée le caractère incisif du violoncelle, auquel le cor solo, seul cuivre de la partition, donnait régulièrement la réplique. Le Moderato ouvrait ensuite un espace plus lyrique, où le soliste déployait une sensibilité particulièrement touchante.
Mais c’est dans la longue Cadenza du troisième mouvement que l’émotion atteignait son apogée. L’orchestre s’était entièrement tu. Seul face au public, Xavier Phillips donnait à chaque note une profondeur particulière, dans un silence où le moindre son semblait prendre toute sa dimension. Les phrases jouées à l’archet alternaient avec les cordes pincées, selon la technique du pizzicato, dont les sonorités brèves ponctuaient les longues lignes mélodiques.
D’abord méditative, presque confidentielle, la musique gagnait progressivement en mouvement et en tension. Le jeu du soliste devenait plus ardent, jusqu’à cette impression saisissante d’une émotion qui se libérait peu à peu. Un moment suspendu, profondément émouvant, où la virtuosité ne cherchait pas seulement à impressionner, mais semblait donner une voix aux sentiments les plus intimes.
Dans un élan de plus en plus vif, le violoncelle préparait alors le retour de l’orchestre et l’entrée dans le finale, Allegro con moto, retrouvant toute l’énergie de cette partition exigeante.
La Cinquième Symphonie : entre recueillement et puissance orchestrale
Après l’entracte, la Symphonie n° 5 en ré mineur de Chostakovitch, composée en 1937 dans un contexte de fortes pressions politiques, révélait une autre dimension de son écriture, mêlant gravité, ironie et élans triomphants dont le sens demeure ambigu.
Dès le Moderato initial, les cordes installaient un climat de tension, bientôt traversé par les interventions des bois et des cuivres. Le deuxième mouvement, Allegretto, aux allures de danse parfois ironique, réservait des passages plus légers. Le violon solo se détachait de l’ensemble, tandis que les pizzicatos des cordes apportaient une couleur inattendue. Ce jeu, également observé chez la première violoniste au cours de la soirée, révélait une autre manière de faire chanter l’instrument.
Avec le Largo, le climat changeait profondément. Les cuivres se taisaient, laissant les cordes et les bois installer une atmosphère de recueillement. La finesse des interventions instrumentales, enrichie par les timbres de la harpe et du célesta, donnait à ce mouvement une dimension profondément intérieure.
Puis venait le finale, Allegro non troppo. Les cuivres et les percussions retrouvaient leur place dans une montée orchestrale impressionnante, jusqu’à une conclusion aussi éclatante que saisissante.
L’orchestre et son chef : une harmonie de nuances et de contrastes
L’important effectif orchestral réuni sur scène et la variété des couleurs instrumentales donnaient à cette soirée une dimension particulière. Des cordes aux bois, des cuivres aux percussions, sans oublier la harpe, le piano et le célesta, chaque famille d’instruments participait à la richesse de l’ensemble.
À la tête de l’Orchestre de l’Opéra de Toulon, Victorien Vanoosten accompagnait avec précision et expressivité les changements d’atmosphère, des passages les plus intimistes aux grandes envolées symphoniques. Sa direction soulignait les reliefs des partitions, tout en laissant s’exprimer les différents pupitres. L’engagement des musiciens, leur écoute mutuelle et la cohésion de l’ensemble contribuaient à la réussite de cette interprétation.
De la tragédie de Prokofiev aux accents tourmentés de Chostakovitch, cette soirée aura révélé toute la force expressive de l’Orchestre de l’Opéra de Toulon. Dans une salle comble, le public, plongé dans un silence attentif tout au long du concert, a laissé éclater son enthousiasme au terme de la représentation. Les applaudissements nourris et les rappels répétés ont témoigné de l’émotion suscitée par cette soirée, dont la cadence solitaire de Xavier Phillips restera l’un des instants les plus marquants.
Par Leïla Métina-Bouchour
Distribution
Orchestre de l’Opéra de Toulon
Direction musicale : Victorien Vanoosten
Violoncelle : Xavier Phillips